¿Torre Eiffel, Estatua de la libertad o Torre de pisa?

El qué representa un monumento y el porqué de su reconocimiento influye en la manera en que es visto por el mundo, y por esa misma razón concluyo que el monumento más importante para el mundo entre los mencionados es la Torre Eiffel, que sin duda alguna representa para el mundo un complejo de acontecimientos históricos. Como su incalculable valor para los tiempos de guerras en el siglo XX,  puesto a que fue utilizada como antena para la radiodifusión, con lo que se pudo captar cantidad de mensajes que fueron de ayuda para los aliados de forma determinante. Su gran valor arquitectónico, que representa la lucha de un artista por cambiar el modelo de arte que se concebía para el momento, y todo se evidencia con el número de visitantes que obtiene la Torre anualmente, aproximadamente 7.000.000 siendo la estructura más representativa del mundo. Sumado a que se localiza en el continente europeo, que puede ser visto como la cuna del arte, este obtiene más valor artístico.

La estatua de la libertad se remonta más a lo patriótico de E.E.U.U. Por lo cual el pensar en la Estatua de la Libertad nos conduce a eso que llamamos “El sueño americano”.

Y la Torre de Pisa al igual que los anteriores monumentos es un ícono de su país, hasta resulta curioso (por su inclinación) para sus visitantes, pero entre estos el más dominante es La Torre Eiffel.

Tendencias Arquitectónicas del Siglo XX

Arquitectura Racionalista. 

Se da en el periodo de entre guerras, su fin primordial es tratar de poner de acuerdo las exigencias artísticas con las necesidades prácticas y económicas. Los racionalistas tratan de obtener una simultaneidad de volúmenes, dentro de sus límites y para hacerlo: Valoran todas las visuales, valoran todos los planos, exterior e interior,  se mezclan los volúmenes incrustándose unos con otros y las formas verticales se alternan con las horizontales y a través del uso del cristal se penetra también en el espacio interior.

Arquitectura Orgánica.

Concibe al edificio como un organismo vivo que crece desde dentro hacia fuera y que se va completando con las necesidades de sus habitantes, por tanto el exterior se acomoda al interior y por eso el punto de partida tiene que ser el conocimiento del hombre; así el arquitecto debe tener en cuenta: El medio geográfico, el medio climático, la armonía de colores, la luz y la acústica (el ruido se extiende hacia arriba). El arquitecto tiene que trabajar en colaboración con una serie de técnicos especialistas. El arquitecto a destacar es el americano Frank Lloyd Wright, (1867-1959). Gran arquitecto y teórico del organicismo. Su gran batalla es la conquista del espacio interior de la casa; además quiere que esta se adapte al paisaje pero no solo en la forma sino, también en los materiales que deben ser los de la tierra y se deben utilizar en el mayor estado natural posible. Construye grandes cubiertas, amplias galerías para estar más en contacto con la naturaleza fundiendo la casa con la naturaleza que a veces incluso penetra en ella. También hay que respetar las desigualdades del terreno.

Publicado por Osdary Villegas.

Datos de la Arquitectura del Siglo XX

     En la arquitectura, hay una renovación total, debido a una serie de factores: Utilización de nuevos materiales (hierro, cristal, cemento, hormigón) que ahora se utilizan a gran escala y con perfecto dominio. (Nuevas técnicas consecuencia de lo anterior y viceversa). Nuevas formas, pero predominando la sencillez, la simplicidad en la construcción. En los últimos años se hacen formas atrevidas, más originales. El hierro es el principal protagonista asociado con otros materiales aunque tiene dos inconvenientes:

ü  Dilatación: calor/ frío= grietas

ü  Oxidación: humedad/ sequedad= roturas.

     Por estas desventajas el hierro comienza a ser sustituido y mezclado con otros materiales = hormigón (hierro + cemento) cuyas ventajas serán: más económico. Se puede construir a molde (sistema de encofrado). Tanto el cemento como el hierro se dilatan en la misma proporción= (no fisuras ni roturas).

     Así se hacen grandes construcciones en esqueleto , todo el edificio desde el punto de vista arquitectónico o estructural se reduce a una especie de jaula, formada por pilares y vigas que “trabajan “ sincrónicamente en virtud del principio de cohesión: todos los elementos estructurales, los que sujetan y los que son sujetados están indisolublemente unidos, la pared es un simple relleno es una mínima parte del edificio ya que se hacen grandes huecos y vanos para la ventilación, luz…, que son dos exigencias de la vida moderna. Otras características:

o   Se subrayan los pisos que son de poca altura.

o   Las ventanas son apaisadas.

o   Se valoran todas las visuales y no solo la fachada principal.

o   Las composiciones muchas veces son asimétricas y de planta libre (dependiendo del solar disponible). Carácter utilitario y práctico, funcional (sirven para algo). Los edificios por tanto, son variados. La decoración es sobria.

Publicado por Osdary Villegas.

Arte del Siglo XX.

     El arte del siglo XX está indiscutiblemente unido al avance industrial y a la modernización de la sociedad. Los últimos años del siglo XIX y los primeros del siglo XX presencian un fluir vertiginoso de ideas, inventos, imágenes y sucesos, de manera que cualquier parcela de la vida queda inmediatamente contaminada por esas nuevas experiencias, y, por supuesto, el arte entra de lleno en el entramado de la modernidad y el desarrollo. La Revolución Industrial, totalmente establecida a finales del siglo XIX, comienza a dar paso a la revolución tecnológica que se presenta como uno de los factores más influyentes en el desarrollo histórico del siglo XX. La presencia de la máquina, hacia 1900, es un hecho que la sociedad acepta con normalidad y los avances técnicos forman parte de la vida cotidiana. Avances, todos ellos que provocan en la sociedad admiración y fascinación y, ante todo, un ansia de experimentación y conocimiento del que no quedan al margen los artistas. A menor escala, el aspecto general del fin del siglo XIX, es urbano y cosmopolita. Un mundo de propuestas y nuevas situaciones se abre con el creciente desarrollo de los medios de comunicación y las ciudades se constituyen en el escenario ideal para experimentar y sentir los nuevos inventos y novedades. Así, en el terreno artístico también las grandes ciudades se transforman en núcleos difusores a la vez que centralizadores de estilos y tendencias; plataformas indiscutibles del arte del siglo XX.

Publicado por Osdary Villegas.

Obras Arquitectónicas del siglo XX (Torre Eiffel, Estatua de la Libertad de New York y Torre de Pisa)

Publicado por Osdary Villegas

La Importancia de la Arquitectura del Siglo XX para el mundo.

La arquitectura del siglo XX es importante porque su práctica fue la causante de la aleación y la utilización de nuevos materiales que han venido siendo empleados por la sociedad reciente, además de que marca la historia del arte, al poderse dar en ésta los cambios más eficaces y arriesgados del la misma, adjuntando a esto que en la actualidad obras como: la torre Eiffel, la torre de Pisa, la estatua de la Libertad, entre otras, demuestran la calidad con la que fueron construidas y la capacidad de duración que han tenido en el tiempo. Se debe agregar que con esta arquitectura se dio paso a la creación de diseños y a la construcción de grandes edificaciones adaptando mejor las técnicas de dibujo en los gráficos, causando así gran impacto en la humanidad.
La importancia de la arquitectura del siglo XX data en la trascendental transformación de lo que se conocía como arte hasta ese momento, lo que para entonces era arte, tomaba otro sentido, el cual es mucho más explícito y avanzado, pues la sociedad ya no sentía tan emocionante el hecho de ver un retrato o la estructura de una iglesia, si no que por el contrario esperaba ver algo más sorprendente e interesante (una gran construcción).

Por otro lado dicha transformación trae consigo un cambio (utilización de materiales y técnica de construcción de cada estructura), que significó un principio a lo que sería el descubrimiento de una nueva forma de trabajar la arquitectura, la cual ahora sería un poco menos complicada que las anteriores. Además muchas de las obras arquitectónicas más importantes y reconocidas de la historia a nivel mundial (por su duración, su historia y su impacto en la sociedad), se construyeron durante el siglo XX, utilizando dichas técnicas arquitectónicas.

Publicado por Osdary Villegas.

Reverón

Publicado por Osdary Villegas.

Resumen de la película de Armando Reverón

Esta película está basada en la vida y obra del pintor venezolano Armando Reverón. Se trata de la historia de uno de los artistas más reconocidos a nivel mundial durante el siglo XX.

Todo comienza en las playas del estado Vargas (Venezuela), específicamente en Macuto, donde se encuentra Armando Reverón, viviendo en un castillete construido por el mismo. En un principio Reverón pintaba cuadros paisajistas, para él, el paisaje y la naturaleza eran elementos valiosos, sus cuadros iban acompañados de la luz del sol. Normalmente pintaba al aire libre, enfocando la luminosidad del paisaje (generalmente costeño), la cual la representaba con el color blanco.

Durante muchos años Reverón vivió con su fiel compañera, Juanita, una negra que lo amaba, y a la cual enseñó a hablar y a escribir. A pesar de que Reverón le hacía cuadros a personas de con buen estado económico, nunca le importó cobrar por ellos, ya que él veía en los cuadros algo más que un negocio, percibía la más grande expresividad de arte, pero sin embargo Juanita a escondidas de él, cobraba el dinero, no con un fin lucroso, sino, con el objetivo de ayudar a conseguir materiales para seguir pintando cuadros.

Más tarde alrededor de 1936, Reverón empezó a pintar con la técnica del desnudo, llamando la atención de las vecinas, las cuales tiempo después irían al castillete de Reverón para servir de musas en sus obras. Debido a este incidente Juanita empieza a sentir celos y discute con Reverón. Luego para contentarla Armando le da una sorpresa, al casarse con ella. Es importante resaltar que el Maestro también pintó desnudos donde su musa era Juanita.

Después de un tiempo Reverón, fabricó muñecas de trapos, dichas muñecas eran sus acompañantes. También pintó auto retratos.  Su obra es cada vez más introvertida y simbólica, al igual que su vida, cada vez más solitaria y ajena a la realidad. Poco tiempo después Armando Reverón empezó a ver imágenes y a comportarse de una manera extraña, muchas personas aseguraron que estaba loco, por lo que en 1945 fue internado en el Sanatorio del doctor Báez, a pesar de estar encerrado Armando Reverón no dejaba de dibujar cuadros, ya que su pasión por el arte no tenía límites.  

En esta película se ve la expresividad de arte y el talento del protagonista (Reverón), pero también se observa que para la época el arte en Venezuela se veía sumergido por la existencia de la escuela de bellas artes, la cual pretendía descubrir y explotar nuevos talentos, durante la historia se aprecia la aparición de periódicos y de un personaje muy particular Oscar Yanes, quien cumplía con funciones de periodista y que quería conocer e investigar la vida y el arte de Reverón.

Dicha película recrea el interesante y especial mudo de Armando Reverón y nos enseña a todos los recursos, religiosos, culturales y simbólicos que lograron que Reverón evadiera lo que imponían las personas con experiencia y crecimiento en el arte, las cuales estaban muy alejadas del mundo, la creatividad y el pensamiento de Reverón, en los cuales el dinero y los lujos no eran lo más importante y primordial dentro de la obra.

Publicado por Osdary Villegas.

Muñecas de Reverón

Reverón La Película - Trailer

Muñecas de Reverón

Las muñecas de Reverón

Las muñecas, estas obras tan particulares que hoy apreciamos como parte excepcional de nuestras artes, fueron ideadas por Reverón para al mismo tiempo ser medio de inspiración  para sus próximas creaciones, sabemos que él poseía una gran admiración por el cuerpo de la mujer, por esa razón trabajaba con el desnudo, pero por motivos morales y amorosos tuvo que dejar de lado a sus adoradas musas y buscar nuevas fuentes de inspiración. Así, nacieron las famosas muñecas. 

    Es necesario, para ilustrar el contexto detrás de estas obras maestras se resalte que Reverón nos ha dejado interrogantes sobre su vida, sobre su sobriedad, sobre su convicción artística, entre muchas más. Por consecuencia otorgarle un sentido verás a estos trabajos fantásticos resulta exento, pero asimismo nos permite dejar nuestra imaginación hacer su mejor labor.

    Tal vez el motivo recae sencillamente en el valor materialista y la capacidad que el hombre tiene de ser fiel y al mismo tiempo depender de  algo o alguien, en este caso dependencia de idea, Reverón encontraba belleza y la aprovechaba para representar una imagen muy particular de lo que veía, y esto se manifiesta en sus retratos de mujeres, que para muchos puede parecer falto de originalidad o que es simplemente un trazo desinteresado en el lienzo, pero particularmente pienso que no, porque así como dibujaba a la mujer la formo con tela ¿Así la veía? Resulta tan íntimo el lazo que unía a las muñecas con este pintor que el sentido es más real que ficticio. Retomando el tema de la inspiración, por motivos amorosos y de lealtad a su compañera de vida y respeto a su madre, Reverón decide no inspirarse con cuerpos reales ajenos a su vida introspectiva, sino con la belleza de sus fieles musas “su mujer, y Venezuela” posteriormente también en Las Muñecas, su efecto es un poco paradójico debido a que estamos hablando de que él se inspiraba para la creación de sus obras, valga la redundancia, con su obra, lo que es clara prueba de que, fuera de su posible locura, éste maestro respetaba y amaba su trabajo.

Aldemaro Romero - De Conde a Principal

Aldemaro Romero - Dama Antañona

El Dantismo de Cristóbal Rojas.

"La Divina Comedia" (escrita entre 1304 y 1321) de Dante Alighieri (1265-1321) supone todo un imaginario en sí mismo, una compleja cosmovisión teológica, moral y política en la que el poeta realiza un viaje inciático como símbolo de la redención final. El pintor venezolano Cristóbal Rojas (1857-1890) también le rindió un homenaje particular. En su última etapa pictórica, el simbolismo, reelaboró todo un proceso de construcción alegórica junto a un despliegue cromático vital. Dos de sus últimos cuadros, "El Purgatorio" (1890)"Dante y Beatriz a orillas del Leteo" (1889) e (inspirados en "La Divina Comedia" de Dante Alighieri) inscriben en la tendencia simbolista dentro de la historia de la pintura venezolana. El Purgatorio. Dante y Beatriz a orillas del Leteo. Publicado por Osdary Villegas.

Dante y Beatriz a orillas del Leteo.

Dante y Beatriz a orillas del Leteo. Óleo sobre lienzo. Cristóbal Rojas. 1890. Dante y Beatriz a orillas del Leteo es una obra simbolista basada en "La Divina Comedia" de Dante Alighieri. En ella se aprecia al autor y su musa, Beatriz Portinari, acompañado de algunas ninfas a orillas del Leteo,por lo cual se percibe un camino celestial, lleno de paz, armonía y una atmósfera mística. Se nota la presencia del realismo así como también la de la luminosidad, producida por los rayos del sol que contrastan en los arbustos y las flores, formando así el claroscuro. Se destaca por el paisajismo, dado por el lugar en donde se encuentra los personajes antes mencionado, adjuntando a ésto los detalles como el tronco caído en el canal del agua y las ramas de los árboles, las cuales dan un toque de realismo a la obra. En la obra Beatriz esta relacionada con la interpretación simbólica de los colores (cristianos): rojo para connotar la caridad, el verde para la esperanza y el blanco para significar la fe y la pureza. Es una obra cromática en la cual los colores fuertes caracterizan a los personajes. Publicado por Osdary Villegas.

Talento venezolano interpretando una obra del romanticismo

http://www.youtube.com/watch?v=FIrpp-inOpM

La libertad guiando al pueblo. Eugenio Delacroix.

Importancia de la escuela de Bellas Artes de París en la pintura venezolana

Esta escuela fue de gran importancia para Venezuela porque inició un proceso muy contrastante en cuanto a la técnica y el motivo artístico, despertando el talento de muchos hombres de la época. Es decir, fue el principio fundamental del arte para el momento.

La escuela de Bellas Artes de París  aporta a Venezuela, gran parte de sus fundamentos artísticos, por esta razón es apreciable la similitud que enmarcan a las obras de arte venezolanas y francesas, sumado a que muchos maestros y jóvenes artistas complementaron sus estudios en Francia, adoptando ciertas técnicas pertenecientes al período del romanticismo, donde (específicamente en la pintura)  cambian la imagen obtenida con los períodos anteriores, veremos que la realidad cobra mayor importancia, el sentido de la obra puede parecer mucho más claro, sentido más claro, pero sumergido en misterio, porque no estamos hablando de simbolismo oculto, como por ejemplo en el Renacimiento, donde el artista recubría la verdadera intención de su arte por motivos de “lealtad”, sino más bien nos referimos a un cambio dogmático, por eso se habla de la libertad sobre el orden. Claro está, cada obra posee un símbolo que por alguna u otra razón no la percibimos a simple vista, ya que, la simplicidad modela a la complejidad.

Podríamos decir que fue una influencia recíproca, maestros de la escuela de Bellas Artes de París marcaron importantes  atribuciones al arte venezolano, y al mismo tiempo el pintor europeo se vio impulsado por la idea de trabajar con lo grandioso del paisaje venezolano. Técnicas acogidas como el naturalismo impulsó al trabajo del paisaje, ya que, aquí  el artista es más libre de interpretar y dejarse llevar por la fantasía, más que sólo pintar lo que se veía,  era algo utópico. En cuanto al realismo, que también es influencia europea, nos referimos a la realidad dentro de la descripción artística.

Es necesario mirar en retrospectiva a anteriores movimientos artísticos, para poder establecer analogías entre el arte de éste período cerca del 1800, para darnos cuenta que el arte de Venezuela sufrió radicales cambios, es decir, gracias a la influencia europea, el arte pasó a ser lo que conocemos, sin excluir la idea de que ingenios venezolanos revolucionaron el arte.

Venezuela toda fuente de inspiración

Venezuela

Un país creciente en cultura, dotado de magistrales escenarios naturales, que inspira cualquier rapsoda, pintor, escultor y músico… Así sucedió con grandes maestros como Armando Reverón, considerado el más importante pintor de la época, quizá por su estilo revolucionario, Manuel Cabré el “pintor del Ávila” que a pesar de no nacer en Venezuela pudo apreciar su belleza solemne y deleitarse con sus imponentes paisajes, para así representarlos con su pincel, Rafael Monasterios, Antonio Edmundo Monsanto, y muchos más.